Résidence au Bel ordinaire en juillet 2019, avec Le sans titre

Je suis en juillet en résidence au Bel Ordinaire pour la préparation de l’exposition Reconfiguration des particules. Cette exposition, commissariée par le collectif Le sans titre, aura lieu au BO en janvier 2020.
La résidence est consacrée à la création et impression de sérigraphies (350 !) pour l’exposition, et qui seront distribuées au public lors du vernissage et durant toute la durée de l’exposition. L’idée est de déconstruire la broyeuse de chocolat de Marcel Duschamp – élément à l’origine de la réflexion pour ce commissariat. Par différents motifs, modules, trames, couleurs, et par couches successives, nous proposons une relecture iconoclaste de la broyeuse, chacun des exemplaires imprimés étant uniques. Cécile Babiole et moi-même sommes accompagnées par Martha Dro, assistante extraordinaire, actuellement étudiante aux arts-déco à Paris.
Lors de cette résidence nous avons croisé plein de personnes aux travaux passionnants : Annely Boucher qui travaille sur autour de la rencontre, de l’écoute et de la prise de parole (elle aurait pu prendre part au projet à la Nouvelle-Orléans tellement ses thèmes de recherches sont proches du projet !), Fabien Zocco (qui avait participé il y a quelques années à la résidence Géographies variables France-Québec), Elsa Aupetit et Martin Plagnol (studio Kiösk) dont j’ai acquis une jolie publication (éditée par leur maison d’édition Dumpling Books pour la bibliothèque de la résidence à Briant), et enfin Romain Jarry, comédien et metteur en scène… Une belle équipe !

Ecoldar, un livre de Christine Lapostole

Christine Lapostolle, Ecoldar. Portrait d’une île, édition Musica Falsa.

J’ai fini il y a quelque temps Ecoldar. Portrait d’une île, un livre de Christine Lapostole. Je l’avais commencé car j’avais cette idée de travailler sur un projet de recherche qui avait attrait aux îles (dans la continuité de projets antérieurs, mais aussi dans l’idée qu’une l’école d’art pouvait être vue comme une île, et mon collègue Yannick Liron m’avait conseillé ce livre). J’ai laissé de côté cette idée pour le moment, mais j’ai découvert ce livre et l’ai beaucoup aimé. Je le recommande à tous. Je le recommande surtout à ceux qui se demandent « Qu’est ce qu’une école d’art ? Que devrait-être une école d’art ? Pourquoi j’enseigne l’art ? Pourquoi j’enseigne encore l’art aujourd’hui ? ». Les réflexions de Christine m’ont rappelée toute la complexité d’une école, ses particularités, ses défauts et ses qualités, ses mouvements, l’incompréhension et les interrogations qu’elle provoque, la chance qu’elle donne à tant d’étudiants. Ce livre m’a rappelé (après 15 ans à enseigner) qu’une école d’art et ses enseignements sont ce qui peut arriver de mieux à une personne, que placer l’art au centre de sa vie – de plein de manières différentes – fait sens de ce monde.

Un article de présentation sur Hypothèses.

Revue Intermédialités

Je suis très heureuse d’annoncer la parution du nouveau numéro d’Intermédialités, revue canadienne d’Histoire et théorie des arts, des lettres et des techniques  et à laquelle j’ai contribué avec un portfolio d’artiste. Ce numéro, intitulé « cacher / concealing« , a été dirigée par deux personnes dont j’admire le travail et l’énergie : Sophie Toupin et Nathalie Casemajor ! Elles m’ont laissée carte blanche pour développer ce portfolio, qui me sert actuellement de base pour une édition d’artiste à paraitre en édition limitée à l’automne !
Le numéro est disponible sur la plateforme d’Érudit et bientôt en format ePub.
Si vous êtes à Montréal, ne manquez pas la sortie officielle le lundi le 13 mai 17:30 à la Librairie Le Port de tête.


Erin Shirreff, Ulla Von Brandenburg, CAC Nola

Hier, lors de ma visite de l’exposition « Hinge Pictures: Eight Women Artists Occupy theThird Dimension » au Centre d’art contemporain de la Nouvelle-Orléans, j’ai découvert les travaux de Erin Shirreff (Canada) et Ulla Von Brandenburg (Allemagne). Je n’avais pas mon appareil photo avec moi, alors voici quelques images et une vidéo (en allemand) trouvées sur Internet à mon retour !

Erin Shirreff :


Ulla Von Brandenburg :

Organology Performance Guide

Je viens de participer au projet « Organology » de Ross Louis, Jade Perdue (Performance Studies Lab et musicologie, Xavier University, Nouvelle-Orléans) et Liz Page (Musicologie, Columbia University, New York).
Ce projet prend la forme d’une bande son sérialiste et d’un guide pour « performer » la ville de New York et de la Nouvelle-Orléans, lors d’une promenade dans une rue de chacune de ces villes.
Ma contribution a consisté à créer la forme visuelle du guide, qui a été imprimé en riso (bleu/noir/rouge) par Constance Nola.
Quelques images prises au Patti Pace Perfomance Festival qui a eu lieu en février au Centre d’Art Contemporain de la Nouvelle-Orléans et où le guide a été diffusé pour l’une des sessions de performance.
Par ailleurs, le festival m’a permis de découvrir la performeuse Kaneza Schaal !



Conférences à l’EESAB – Lorient

Depuis le début 2019, je suis de retour à l’EESAB (Lorient) pour un enseigner !
Après une invitation faite à Guillaume Constantin et Gwenola Wagon qui sont venus parler de leur travail lors des journées « L’expérience du récit » (dirigé par Yannick Liron), c’est avec plaisir que je reçois Laurent Tixador pour une conférence lundi prochain, le 25 février…
Laurent est un habitué de l’école puisqu’il était déjà venu faire un atelier « bivouac » en 2010 et avait participé au projet de recherche Géographies variables ! Il parlera de son dernier projet, réalisé en résidence à Port-Louis, avec l’aide d’associations nettoyant les plages du littoral.

Exposition(s) au Hilliard Museum

Visite lundi au Hilliard Museum( Lafayette, Louisiane) de la belle exposition de Gisela Colon, artiste dont je ne connaissais pas le travail – difficile à rendre en photo, car ses « Pods » sont des pièces évanescentes et magiques… Plus de photos sur son site.

Cette visite m’a permis de faire un repérage de l’espace qui accueillera mon exposition en 2021 ! Pour cette exposition, commissionnée par Ben Hickey, j’ai invité Gisèle Trudel, dont j’adore le travail, à collaborer. Good vibes to come :)

Bonne année 2019

En ce début d’année, de retour en France, je souhaite apporter mon soutien au mouvement des gilets jaunes, dans tout ce qu’il a de positif dans les questions qu’ils posent, dans la démonstration que nous ne sommes pas condamnés à l’immobilisme dans un pays désormais gouverné par les multinationales et les banquiers, dans un pays où le pouvoir favorise l’ISF au détriment des personnes fragiles, dans un pays où l’écologie est évacuée des débats et remplacée par le lobbying. Merci à toutes les personnes qui, tous les samedis, se déplacent et rappellent au gouvernement la définition du mot démocratie.
Bonne année 2019 !

Cette image est un montage (inconnu) d’après la course de paddle qui a eu lieu sur la Seine en 2018.

Exposition à The Engine Room, Nouvelle-Orléans

(English Bellow!)
Ma prochaine exposition solo aura lieu à The Engine Room de la Nouvelle-Orléans du 9 novembre au 14 décembre 2018. Pour cette nouvelle version de « Clear, Deep, Dark », je présenterai une sélection de travaux récents et quelques travaux anciens, commissariés par Amy Mackie, de PARSE.
Je vous donne RDV lors du vernissage le 9 novembre 2018 à 18h !
Plusieurs événements auront également lieu durant l’exposition :
– Un atelier animé par Geir Haraldseth (directeur du Rogaland Kunstsenter, Stavanger, Norvège) et Stina Högkvist (directrice des collections du Nasjionalmuseet à Oslo, Norvège) > le 12 novembre à 18h30.
– Les ouvertures des 110 ateliers du bâtiment où se trouve the Engine Room > le 31 novembre toute la journée.

The Engine Room,
2809 N. Reobertson Street,
New Orleans

I am so happy to be announce my first solo exhibition in New Orleans, curated by Amy Mackie, from PARSE, at The Engine Room, New Orleans. The opening reception is on November 9 at 6PM, and the exhibition will run from November 9 to December 14, 2018. This will be my largest exhibition to date, and I am very pleased to be working with Amy and Parse to present both old and new works!
Other events during the show include:
– A workshop by Geir Haraldseth (Director of Rogaland Kunstsenter, Stavanger, Norway) and Stina Högkvist (Head of collections at the Nasjionalmuseet, Oslo, Norway) >  12 November, 6:30PM.
– Open studios at 2809 N; Robertson and as well as the the Engine Room > 31 November; all day.

The Engine Room,
2809 N. Reobertson Street,
New Orleans

Je suis très heureuse de participer avec Véronique Savard, au colloque « Repenser les humanités numériques », jeudi 25 octobre à 14h, à l’Université de Montréal !
Nous y présenterons nos travaux et ceux de Cécile Babiole, Dominique Siroit et Robert Saucier,

I am really happy to announce that I will be participating with Véronique Savard to the « Thinking the Digital Humanities Anew » at the University of Montreal, on Thursday, 25 November, at 2PM!

Repenser les humanités numériques, Centre de recherche interuniversitaire des humanités numériques.

Texte introductif :

S’il existe de nos jours une pluralité de pratiques réflexives en arts visuels dont les productions servent à éclairer l’apport déterminant du numérique dans nos sociétés contemporaines, de nombreux travaux revendiquent également et depuis le Post-Internet le glissement de l’espace physique dans la culture en réseau (et inversement) et la capacité des documents numériques à se reproduire et à muter indéfiniment. Outre la volonté d’élargir le cercle de diffusion et de circulation des œuvres d’art sur les réseaux, ces stratégies inédites de production, lesquels rendent dynamique la correspondance entre l’œuvre, le matériau numérique et sa documentation, sous-tendent un espace de réflexion critique et rhizomatique à partir duquel on peut soutirer certains traits communs.

La conférence que nous proposons s’inscrit à la suite d’une rencontre entre artistes-chercheurs du domaine des arts visuels et médiatiques. Notre groupe de recherche, constitué de cinq artistes québécois et français de différentes générations, travaille de manière à mettre en exergue et éclairer les structures paradigmatiques, méthodologiques et épistémologiques relatives à l’expérience numérique. Notre projet de recherche et de création est animé par des questions soulevées par la matière technique et culturelle à partir desquels découlent différentes postures de détournement et de remédiation des objets esthétiques, interactifs, textuels et programmés. Il consiste à rendre visible, discuter et situer les spécificités de nos problématiques dans un contexte où les enjeux sociaux, économiques et politiques, soulevés par le numérique, engagent une prise en charge artistique des processus idéologiques.
Notre présentation s’articulera autour d’une sélection d’images relatives à la documentation de projets d’expositions élaborées par les artistes du collectif. Ces œuvres, réalisées par Dominique Sirois, Robert Saucier, Cécile Babiole, Véronique Savard, et Julie Morel ont la particularité, tant sur le plan formel que conceptuel, d’avoir pris naissance dans et par le numérique, bien qu’elles soient également porteuses d’une réflexion sur l’hybridité des médias et sur leurs dispositifs de présentation dans l’espace d’exposition. En effet, ces modes relationnels (et de distanciation) entre appropriations des dispositifs technologiques, interactifs ou langagiers couplés aux médias traditionnels et moyens de diffusion au sein même de l’espace codifié qu’est la galerie, permettent – de par la nature même des œuvres d’art – un rapport sensible aux technologies, dans lequel le visiteur peut trouver un espace d’ouverture tant critique que visuel. Ce lien concret dans la construction de l’expérience nous est cher du fait que nous évoluons dans une société de consommation du numérique, et subissons quotidiennement et à long terme ses effets : des politiques d’utilisation des réseaux sociaux à l’impact écologique de l’obsolescence programmée ou d’un data center, en passant par les algorithmes « patriarcaux » ou autres outils cybernétiques autoritaires.

La coexistence entre ces différents points vus où s’entremêle la complexité des transformations, par le numérique, des formes visuelles, du langage et de la société dans son ensemble se présente en outre comme une préoccupation commune à ces positions artistiques et font la richesse de cette collaboration. En cheminant à travers différentes œuvres, nous aborderons des questions d’ordre pratique et théorique: quels sont les caractères anticipatoires et normatifs propres aux matériaux culturels numériques ? Comment l’œuvre d’art peut-elle désactiver ou court-circuiter un usage récurrent et dominant de la technologie ? Quelles en sont les portées créatives et philosophiques ? Quels en sont les contours et singularités ?

Quelques images :

User Agreement, Véronique Savard


Bzzz, le son de l’électricité, Cécile Babiole


Infrasense, Robert Saucier + KIT


Di$play Body, Dominique Siroit


A.F.K., Julie Morel

Exposition au Centre d’Art Contemporain, Nouvelle-Orléans, 4 août 2018

(English Bellow!)
Je suis très heureuse de participer à l’exposition « Constructing the Break », qui aura lieu au Centre d’Art Contemporain de la Nouvelle-Orléans du 5 août au 6 octobre 2018, et qui inaugurera la nouvelle saison du Centre d’art. J’y présenterai des sérigraphies réalisées à l’encre conductrice, une série intitulée « Deep ».
Je vous donne RDV lors du vernissage le 4 août 2018 à 17h30, en présence des artistes et de Allison M. Glenn, commissaire de cette exposition.


I am very happy to be included in the Exhibition « Constructing the Break », curated by Allison M. Glenn, at the Contemporary Art Center in New Orleans from August 4 to October 6, 2018. I will present prints made with conductive ink, a series  entitled « Deep ».

« The Mississippi River makes meaning of the landscape as it careens through the United States, flowing South from Minnesota through the Midwest, caressing the edges and embankments of Wisconsin, Iowa, Illinois, Missouri, Tennessee, and Arkansas, until finally pouring down through Louisiana to empty into the Gulf of Mexico. The landscape is similarly marked by the bodies who move through it, by the passing of time, and by the social politics that inform migration, homesteading, and documenting cartographies.
With these considerations, this exhibition looks to the intersection of the body with the landscape—from the gentle overlap of conceptual practices and the physicality of environments to spatial politics that are deeply embedded within the social fabric of this country.  This exhibition considers artistic practices that engage with the shape-shifting that is at the core of New Orleans, where the concept of being rooted is consistently tempered by infrastructural fragility. »

This exhibition is organized by the Contemporary Arts Center, New Orleans, and curated by Allison M. Glenn. Support for this exhibition is provided by the Azby Fund, Sydney & Walda Besthoff, The Helis Foundation, the Welch Family Foundation and the Visual Arts Exhibition Fund.

 

Erdem Taşdelen, exposition « The Curtain Sweeps Down » (Vox, Montréal)

J’ai visité la semaine dernière une très belle exposition de l’artiste Erdem Taşdelen, bâtit autour du roman de Nihal Yeğinobalı: « Genç Kızlar » (The Curtain Sweeps Down), un roman-traduction fictive. L’auteur, originellement traductrice, a pour son premier roman,inventé un auteur américain fictif (Vincent Ewing) et lui a créé une biographie (il visite la Turquie puis écrit un livre qui s’y déroule). Cette pseudo-traduction du roman de Vincent Ewing est un récit initiatique mettant en scène un triangle amoureux qui prend comme décors une école de missionnaires américains, et qui fit scandale à l’époque de sa sortie en 1950.
Le thème et son traitement touchent de prêt à des questions inhérentes à mon travail (la traduction, l’absent, la version…). Je copie ci-dessous le texte de l’exposition, que l’on peut aussi consulter sur le site de Vox – centre pour l’image contemporaine.

 

Erdem Taşdelen, The Curtain Sweeps Down
La première exposition individuelle d’Erdem Taşdelen à Montréal explore les implications sociopolitiques de l’histoire entourantGenç Kızlar, une œuvre littéraire publiée en Turquie en 1950. Paru sous le pseudonyme de Vincent Ewing, ce roman en langue turque était en réalité l’œuvre d’une jeune femme de 21 ans, Nihal Yeğinobalı, qui avait auparavant traduit plusieurs livres de l’anglais au turc, mais qui elle-même n’en avait jamais écrit. Après que l’éditeur de ses traductions eut rejeté son projet d’écrire un roman — en sous-entendant que l’écriture était une activité plus appropriée pour un homme —, Yeğinobalı décida d’attribuer son manuscrit à un auteur Anglo-Américain fictif, puis prétendit l’avoir simplement traduit. Lors de sa publication, la pseudo-traduction suscita l’intérêt du public par son contenu érotiquement suggestif et devint rapidement un livre à succès.Genç Kızlar a fait l’objet de nombreuses réimpressions depuis, mais ce n’est qu’en 2003 qu’il a enfin été publié sous le nom de Yeğinobalı.

ÖVÜL Ö. DURMUSOGLU

« En route vers l’ouest, le regard tourné en direction de l’est » est une histoire de toujours dans la mémoire collective fondatrice de la Turquie. C’est un état d’esprit, une tentative de créer un pont entre tradition et progrès, moralité et technologie, monarchie et démocratie, conservatisme et laïcité, mais qui est emporté par le courant des fossés qui les séparent. La traduction, par conséquent, emprunte un circuit complexe d’annotations concernant l’expérience turque de la modernité.The Curtain Sweeps Down (« Le rideau tombe ») a pour trame de fond les désirs et les dilemmes d’une société en mouvement : être en mesure de traduire constamment et être en constant processus de traduction. De tels désirs ont été incarnés assez tôt par les représentations du corps féminin. Avant d’aborder la fascination d’Erdem Taşdelen pour la traduction fictive du roman à sensation de 1950 Genç Kızlar (Jeunes filles) – et pour ce qu’il représente dans la Turquie d’après les années 1950 à la suite de son adhésion au plan Marshall –, il est primordial de brosser un bref tableau de l’espace de performance chargé qu’on appelle « traduction ». Sa manière de marquer la nouveauté et d’indiquer le progrès trouve ses sources dans les efforts de la fin du XIXe siècle pour transformer l’Empire ottoman, carrefour de cultures, et le désir de rattraper les nouveaux mouvements politiques de l’Occident. Les premières traductions venues de l’« Ouest » en Turquie étaient écrites en alphabet arménien ; de même, les premières comédiennes de théâtre à interpréter des pièces occidentales au pays étaient d’origine arménienne ou grecque. Tercüme-i Telemak, parue en 1862, est considérée comme étant la première « véritable » traduction turque (parce qu’elle utilisait l’alphabet turc). Le traducteur – un homme d’État instruit – a choisi un roman politique du genre didactique écrit par Fénelon, Les aventures de Télémaque (1699), pour ses aspirations démocratiques au changement.

Le roman à sensation Genç Kızlar, toujours populaire, est un exemple parmi les plus importants en études de la traduction turque puisqu’il s’agit d’une traduction fictive, ou pseudo-traduction. La jeune écrivaine Nihal Yeğinobalı, qui avait d’abord travaillé à titre de traductrice, a imité quelques-uns des motifs qu’elle avait utilisés auparavant dans ses traductions afin de renforcer la crédibilité de cet ouvrage qu’elle souhaitait écrire depuis un certain temps. Elle a inventé un auteur de toutes pièces, « Vincent Ewing », et lui a créé une biographie ainsi qu’un roman singulier qui se serait rendu jusqu’en Turquie, intitulé The Curtain Sweeps Down. Le résultat est un récit initiatique parsemé de détails érotiques considérés audacieux à l’époque, mettant en scène un triangle amoureux et ayant pour toile de fond l’école des missionnaires américains à Istanbul où l’auteure elle-même avait étudié. Yeğinobalı, qui est encore classée parmi les traducteurs les plus prolifiques en Turquie, a écrit cinq autres ouvrages par la suite. Dans les entrevues qu’elle a accordées après avoir révélé être l’auteure de Genç Kızlar et non la traductrice de The Curtain Sweeps Down, elle a déclaré que, dans ce pays où bien des écrivains s’approprient du matériel d’auteurs non-turcs, elle désirait expliquer pourquoi une jeune auteure avait choisi d’attribuer ses propres écrits à un étranger. La réalité est plus complexe, cependant ; un indice se cache dans le titre de l’autobiographie qu’elle a publiée plus tard, Cumhuriyet Çocuğu (« Enfant de la République »). La nouveauté s’est toujours d’abord présentée sous le couvert de la traduction ; la traduction convenait à la nouveauté dans une société qui s’efforçait de progresser tout en préservant ses traditions. Le geste n’a jamais cessé d’être politique : les « enfants de la République » se trouvaient toujours pris dans le jeu de la traduction – un jeu qualifié de « pâle imitation de l’Ouest » par les conservateurs trucs. Yeğinobalı, une de ces enfants de la République, raconte la Turquie d’après les années 1950, submergée par la vague de l’américanisation, étiquetée comme ouverte et tolérante, tout en étant fortement rejetée dans les cercles étudiants de gauche. Un an après l’écriture du roman, le pays est entré dans les rangs de l’OTAN en tant qu’allié prometteur dans la guerre froide contre l’URSS.

Toute construction textuelle comporte un potentiel d’effet miroir pour Erdem Taşdelen ; il choisit de révéler le monde et de l’envelopper de mystère à l’aide du texte. Son intérêt particulier l’amène à rassembler des textes qui narrent ou enseignent les processus du soi moderne, lequel est habituellement cultivé selon des catégories. Les textes d’origine lui servent de points de départ – comme dans le procédé de la traduction – qu’il développe au moyen de techniques visuelles afin d’illustrer les façons dont cet effet miroir agit sur les plans individuel et collectif, ainsi que sur les plans social et politique. Fondamentalement, l’effet miroir qu’il cherche à approfondir fait ressortir ce qui est intraduisible dans ce procédé. Genç Kızlar, ou The Curtain Sweeps Down, offre un cas multidimensionnel à l’artiste, et ce, non pas seulement parce que ce dernier est également sensible aux deux langues dans l’équation de la pseudo-traduction. En tant que récit initiatique et érotique,Genç Kızlar fonctionne en double projection ; d’abord, celle du soi féminin américanisé de la petite ville de Manisa, en Turquie occidentale ; ensuite, celle de la répression sexuelle sous-jacente dans la société turque. La stratégie de Yeğinobalı repose sur l’interprétation du soi traduit dans un pays où la modernité se vit à titre de traduction face à ses adversaires. Une nouvelle identité nationale à l’esprit ouvert est incarnée par une figure féminine transformée, et la tentative de démembrement de cette figure laisse entendre l’effondrement silencieux de l’ensemble du projet.

Dans la première « mise en scène » de The Curtain Sweeps Down, Taşdelen adopte avec doigté et une ferveur enjouée la pseudo-traduction en guise de méthodologie artistique afin de développer ce que Genç Kızlar reflète encore près de soixante-dix ans après sa publication : les contradictions, les désirs et les trajectoires incarnées par la stratégie de carrière d’une jeune écrivaine. L’invention de Vincent Ewing se fond dans les lignes nettement définies des rues modernes de Manisa. Des portraits photographiques d’occasion aux origines inconnues se mêlent à des documents d’archives du bureau new-yorkais de l’Office du tourisme de Turquie, qui a œuvré assidûment pour composer l’image d’une nouvelle démocratie avec ses portraits de prima donna, d’aviatrice, d’infirmière, de sculpteuse et de secrétaire. Le mot nouvelle dans « nouvelle Turquie » est hautement ironique, étant donné que le projet politique actuel de ce pays continue de porter ce nom. Tout ce qui est ici développé à partir du circuit complexe d’annotations aménage un espace crucial pour la compréhension de soi du point de vue de la mémoire collective. Le rideau est-il tombé sur la prima donna turque, qui a pu monter sur scène après ses prédécesseures arméniennes, grecques et levantines ? Le rideau est-il tombé sur le libre arbitre du libéralisme ? Que signifiaitlibre arbitre à l’origine ? Cette fois, le roman sera sûrement un mélange de drame historique et de suspense.

 

Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice

(English below…)
Cette semaine, je collabore avec Ross Louis pour les visuels d’un de ses projets de performance (un petit guide pour faire ses propres expérimentations performatives, dans trois lieux de Montréal !) .
Ce projet s’appelle Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, en référence à Perec, et en voici les grandes lignes :

Un projet in situ qui invite les participants à créer une « performance infra-ordinaire » en rendant visite à des lieux identifiés à Montréal, qui tous portent le nom « Saint-Sulpice ».
Le projet ré-imagine l’expérimentation infra-ordinaire que mena Georges Perec Place Saint-Sulpice à Paris en 1974 [ce qui se passe quand il ne se passe rien, sinon du temps, des gens, des voitures et des nuages ?]. Ce projet fait également référence à Mobile, l’œuvre de Michel Butor (1963) qui, lors d’un tour des États-Unis, navigue entre différents lieux éponymes et en propose des observations.
Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice consiste en une série des protocoles performatifs inspirés par l’haïku, et fût développé lors de visites répétées à Montréal, sur des lieux nommés « Saint-Sulpice ».

A site-specific project that invites participants to create “infraordinary performances” by visiting selected places in Montréal bearing the name “Saint-Sulpice.” The project re-imagines Georges Perec’s 1974 experiment with the “infraordinary” at Place Saint-Sulpice in Paris (“what happens when nothing happens other than the weather, people, cars, and clouds?”). It also references Mobile, Michel Butor’s 1963 work which documented a tour of the United States by transposing observations of various places with the same name.
Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice consists of a series of haiku-inspired performance protocols which were developed after repeated visits to sites named “Saint-Sulpice” in Montréal.


– Ross Louis : Research & performance concept / recherche & conception de la performance,
Julie Morel : Graphic Design,
– Printing : Constance Risograph Editions, New Orleans, Louisiana,
– With the support of /Avec l’aide de : Xavier University of Louisiana via the Performance Studies Lab, College of Arts and Sciences, and Center for the Advancement of Teaching
and Faculty Development,

En cours

Dix jours à la Nouvelle-Orléans, où j’ai pu passer un peu de temps avec Amy Mackie, qui sera la commissaire de ma prochaine exposition à la galerie The Engine Room (mais aussi avec Manon Bellet à Los Islenos festival et rencontrer Lauren Ross et l’entendre parler de son travail). Un tour à Prospect 4, avec quelques très belles œuvres (et j’ai préféré celle de Tayo Kimura au CAC).
Enfin j’ai pu me rendre à Jean Lafitte, une petite ville du sud de la Louisiane, qui dans 50 ans n’existera plus (voir ce bon article du New York Time), et qui est, avec Pass a L’outre et Delacroix, un des trois endroits que j’ai choisi pour le projet que j’ai commencé en fin d’année dernière…. un projet qui parle de lieux qui disparaissent (ou ont déjà disparu) du fait de l’activité industrielle qui épuise le paysage, la flore, la faune.

Retour à Montréal hier, et aujourd’hui, début du travail à l’atelier bois de l’Uqam, où je commence à construire les cadres et boites en bois de noyer noir, un bois extraordinaire (j’avais choisi ce bois à cause, littéralement, de son nom – « noyer » – pour des raisons évidentes car je parle de ces lieux qui sont noyés sous les eaux, mais je découvre en le façonnant que ce bois est magique à travailler!).
Tous ces éléments en cours serviront à accueillir les pièces les plus fragiles de mon exposition Clear, Deep, Dark, à The Egine Room).

Images en cours !
Et puis la première boite, finie !

Clear, Deep, Dark – The Hawn Gallery, Dallas

J’ai le plaisir de présenter mon dernier projet, « Clear, Deep, Dark », lors de mon exposition personnelle à la Hawn Gallery, Dallas, du 26 janvier au 11 mars 2018.
Vernissage le 26 janvier à partir de 17h.

« Morel is a net artist, and as such, her works use the internet as a canvas and medium. In addition, she incorporates other media into her work, including technology, books, typography, and drawings to realize the relationships between text and image.
Morel’s projects are never insular, as most of them involve collaborations with other artists, writers, and designers. One such project initiated by Morel is the AFK project (2014-2016); a series of exhibitions, online proposals, and plastic research. The first three of these exhibitions took place at the Galerie des Étables (Bordeaux) in 2014, followed by an online conversation with Karine Lebrun and exhibits at the Quartier Centre d’art, a project center.
The acronym AFK references “away from the keyboard,” which lets people know that the user is away from the computer. This project examines objects created digitally and distributed via the internet. This transmission creates a continuous cycle whereby objects transform and shift long after their initial creation. On her website, Morel describes the purpose of this project, “The AFK project aims to explore these [digital and textual] relationships through long-term plastic research in the form of exhibitions, online proposals, conversations, and publications.

Clear, Deep, Dark features new works by Julie Morel. Morel’s work examines the transformation of objects and their versions – their original physical forms and new manifestations the objects take online.
The exhibition at the Hawn Gallery presents a series of prints and drawings that are, in fact, titles of art works located on personal hard drives, in private spaces, or they are indexes of pages found on the Darknet, all of which remain inaccessible to the audience. These titles and indexes are literally “brought to light” within the exhibition space: all of the prints and drawings are made with conductive ink and embedded with LEDs. Viewers are therefore placed in a situation where they first see the exhibition as abstract constellations of light, and only after getting closer to the work can they read the actual inscriptions. »

Emily Rueggeberg, curator.

The Hamon Gallery’s blog
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Jour de test


Clear, Deep, Dark – Scotch conducteur, papier japonais sérigraphié.

Divers travaux au mur.


Coordonnées GPS en encre conductrice et LED + détail.


« Reloaded » – Sérigraphie sur affiche originale « Untiteld (NRA) » de Félix Gonzalez-Torres + détail de la sérigraphie.
Dessins « Constellations » (titre provisoire) à l’encre argent.Montréal, 4 déc.

Quelques notes en vrac.


Très belle exposition de Taryn Simon, Paperwork and the Will of Capital, au Mac Montréal.
(Photos de l’exposition à Rome, par Matteo D’Eletto).


Felix Vallotton, 1890

 


Ernst Haeckel, Kunstformen der Natur

 


Sara Judices de Menezes, Deuxième peau (une photo envoyée par Cécile Babiole).


Bague (Georgian), 1798.

Jake & Dino Chapman, sur des gravures de Goya.


Katharina Grosse, This Drove my Mother up the Wall
(j’aime beaucoup son travail mais je trouve ce titre nul).

Pass a l’Outre

Il y a un an environ, je me suis rendue à Shell Beach, Louisiana, pour accompagner Isabelle Hayeur dans les repérages pour son film (diffusé lors du premier concert « New Water Music« ).
J’avais alors écris un long article sur la situation géographique de cet endroit, un exemple – malheureusement parmi tant d’autres – de la situation des côtes dans le sud de la Louisiane. Sur la route qui mène à Shell Beach on voit la nature se dégrader : des centaines d’arbres meurent à cause à la pénétration de l’eau salée dans marécages.
Le mois dernier j’ai perdu plusieurs dizaines d’articles de mon blog lors d’une migration de base de données, dont un long article sur cette visite. Aujourd’hui, alors que je suis en train de faire des recherches, je suis retombée sur quelques photos que j’avais alors prises et qui sont restées sur mon disque dur… les voici.



Les recherches que je faisais au moment de la récupération de ces photos ne concernaient pas Shell Beach, mais Pass a l’Outre, – Venice, Louisiana (à l’entrée du Mississippi, au sud de la Nouvelle-Orléans). Je mène ces recherches pour mon projet d’exposition Deep, Clear, Dark.
Quelques photos du lieu, trouvées sur Google, et captures d’écrans et leurs différences entre Google Map et Google Map Satellite.

– En 1893 (photo: National Archives)

– En 2011 (photo: George Hero Architect)

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Clear, Deep, Dark

Je suis en train de travailler à l’exposition que je vais présenter à la Hawn Gallery, à Dallas en janvier.
Une partie de cette exposition présentera des dessins, impressions (sérigraphie) et autres expérimentations faites avec de l’encre et « scotch conducteurs » (bandes autocollantes de papier cuivré), reliant ainsi dessin et lumière (l’encre transporte l’électricité vers des petites ampoules LEDs).
En ce moment je regarde quels sont les potentiels et limitations du matériel que j’utilise, tant techniquement que visuellement. En effet, si j’utilise de l’encre conductrice (je dessine sur du papier), je ne peux pas y souder des LEDs, donc je dois trouver le bon type de LEDs : plates et autocollantes…
La taille des ampoules et leur brillance sont aussi des problèmes : je dois trouver le bon équilibre entre la luminosité de la lumière et la visibilité du dessin. Et de plus en plus, on ne trouve que des « grosses » LEDs (3mn) qui sont extra-brillantes, et que l’on ne peut pas regarder directement en face sans avoir mal aux yeux…

À différents médiums, différents problèmes :
Je fais par exemple des tests pour comprendre quelle typographie pourra visuellement « supporter » les bandes de scotch conducteur. Il faut que le dessin de la lettre soit très carré (le scotch supporte mal d’être arqué), suffisamment gros pour supporter visuellement un double contour. Chaque contour est dessiné avec le scotch conducteur : l’un est le + du courant électrique, et l’autre le -.
Je vais construire un système électrique en parallèle et non en série (certe le série serait plus « joli » car il pourrait être fait avec un seul contour, mais il est aussi plus inefficace car un tel système ne supporte pas plus de 3 LEDs consécutivement, ce qui induit un câblage plus important et si la première ampoule grille, alors tout le système est compromis..).
Les majuscules sont également préférables, pour la raison qu’il y a moins de courbes. Après divers essais, soit depuis des typographies recherchées en ligne, ou soit dessinées directement dans mon carnet, j’ai opté pour une typo hybride entre la Prisma (développée par Fontfabric) et des dessins personnels. Cela rend la typo et l’ensemble plus futuriste que je ne le voudrais, mais entre le dessin sur ordinateur et la réalisation, il y aura surement encore une différence. Tant que je n’ai pas essayé, je ne prendrais pas de décision finale.

Tests pour encre :

Tests pour scotch :
Test rapide avec scotch et LEDS sur la lettre « C » et « L » (15cm x 15cm) :

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Among flowers

Alors que je jetais un premier coup d’œil distrait dans la grande bibliothèque de l’appartement où j’habite depuis une semaine, le premier livre que j’ai ouvert a été la revue d’art canadienne Public Art/Cluture/Ideas.
En le feuilletant, je suis tombée sur un article consacré à un livre de Jamaica Kincaid, une auteur que je ne connaissais pas. Ce qui a attiré mon attention sur cet article était la photo de deux personnes posant devant un Rheum Nobile, au Népal.
L’article est de Jill Didur (chercheuse à l’université Concordia). Il s’intitule : « Rerouting Colonial Botany in Jamaica Kincaid’s Among Flowers: a Walk in the Himalaya. Il est disponible en ligne à cette adresse, et vaut le coup d’être lu.
Bonne lecture.

« Jamaica Kincaid et Thile Sherpa beside a Tibetan plant, Rheum Nobile »

Montréal

Me voici pour un an à Montréal, en tant qu’artiste en résidence à l’École des arts visuels et médiatiques de l’Uqam. J’y mènerai des recherches, expérimentations sur une nouvelle bouture du projet A.F.K., intitulé Clear, Deep, Dark. Les nouvelles propositions vont être montrées lors d’une exposition solo à la Hawn Gallery (Dallas) en janvier.
Je vais aussi enseigner un cours (Textualité) – qui existait déjà mais semble fait sur mesure !
Je viens d’emménager pas très loin de l’Uqam, dans mon appartement qui comporte un studio dédié. Avoir un lieu pour pratiquer est une nouveauté pour moi. Pendant très longtemps j’ai favorisé une pratique de l’art lors de résidences ou de voyages, ou dans des lieux ponctuels comme dans des ateliers techniques spécifiques (sérigraphie ou céramique par exemple), ou simplement dans mon ordinateur. Clear, Deep, Dark est un projet qui parle de la dématérialisation des objets artistiques… j’espère ne pas trop produire de « matériel ».


Ephemera-Obscura au Centre d’art Contemporain, Nouvelle-Orléans

Demain soir, filez au Centre d’art Contemporain de la Nouvelle-Orléans pour le vernissage de l’exposition Ephemera-Obscura où je montre une version encadrée et installée de la série d’impressions en risographie « Ghost – A.F.K. »
See you there!

Ephemera-Obscura
Du 5 août 2017 au 1er octobre 2017, CAC – Nouvelle-Orléans
Vernissage le 5 août à partir de 17h30.
Contemporary Arts Center
900 Camp Street – New Orleans, LA.
Evènement sur Facebook

Résidence à Briant cet été

 


Après la résidence de Gina Phillips à Briant, dans le cadre des résidences incident.res avec le soutient de la Drac Bourgogne, me voici à présent avec Cécile Babiole pour une séance de recherches et travail pour notre projet de costume connecté, que nous avions laissé de côté durant mon séjour aux USA. Pour le moment, nous nous posons des questions de maillage en plastique…

Shake What your Mama Gave You au Joan Mitchell Center, 3 Mai 2017 – 18-21h

Venez au Joan Mitchell Center écouter artistes, designers, chercheurs, qui parleront du livre « Shake What your Mama Gave You » et des thèmes qui y sont abordés.
Avec: Katrina Andry (artist, New Orleans), Maaike Gouwenberg – Deltaworkers (curator, Netherlands), Erik Kiesewetter (Constance / graphic designer, New Orleans), Parse / Anna Mecugni (curator, Italy & New Orleans), Julie Morel (artist, France), Gina Phillips (artist, New Orleans), and Robin Vander (scholar, New Orleans).